2026년 10월 7일부터 11월 3일까지 선화랑 전속작가 우병윤(b.1988)의 개인전《중첩: 들떠 있는 풍경》을 개최한다. 2024년 선화랑 기획전《자연회귀적 열망》에 참여한 이후 열리는 작가의 선화랑 첫 개인전이다. 이번 전시는〈중첩(Superposition)〉 연작과 이를 확장한 신작〈들떠 있는 풍경(Floating Landscape)〉을 중심으로 회화 32점을 선보이며, 물질의 표면을 탐구해온 작업이 풍경의 형태와 공간으로 이어지는 변화를 조명한다. 우병윤은 자연을 자신의 감정이나 기억을 비추는 배경으로 삼기보다, 인간의 시선과 무관하게 계속되는 세계로 바라보고자 한다. 작가 자신도 그 안에 잠시 포함된 존재이며, 자연은 여러 존재와 움직임이 관계를 맺으며 이어지는 하나의 장이다. 이러한 관점은 자연을 닮은 형상을 그리는 데 그치지 않고, 재료와 행위를 통해 풍경이 생겨나는 방식을 탐구하는 작업으로 이어진다.
“나는 자연에 조금 더 가까이 다가가고 싶었다. 그것은 산과 풍경을 더 사실적으로 그리겠다는 뜻 이 아니다. 자연을 내 감정이나 기억의 배경으로 삼는 순간, 자연은 결국 나를 비추는 거울이 되고 여전히 내가 바라보는 대상으로 남는다. 나는 그 반대로 자연을 내가 해석하고 소유할 대상이 아니라, 나와 무관하게 계속되는 세계로 바라보고 싶었다. 나 또한 그 안에 잠시 포함된 존재라고 생각했다. 자연을 나를 포함한 여러 존재와 움직임이 서로 관계를 맺으며 이어지는 하나의 장으로 바라보고자 했다.” (작가노트 일부)
〈중첩〉 연작에서 작가는 나무 패널 위에 석고를 바르며 이랑과 고랑 같은 요철을 만들고, 채색한 표면을 긁어낸다. 석고를 쌓는 행위와 색을 덜어내는 행위, 바탕의 요철이 이루는 선과 긁어낸 선이 한 화면에서 교차한다. 이 과정에서 선은 추상적인 결이나 파도, 때로는 산과 같은 형상을 오가며, 재료의 흔적과 이미지가 겹쳐지는 화면을 만든다. 신작 〈들떠 있는 풍경〉에서는 석고를 바르는 단계에서 미리 요철을 만들지 않는다. 기존의 요철이 산의 덩어리와 공간을 만드는 선을 방해할 수 있기 때문이다. 대신 평평한 석고 바탕 위에 색면을 만들고, 채색된 표면을 한 방향으로 반복해 긁어내며 아래의 흰 석고를 드러낸다. 선의 길이와 밀도가 쌓일수록 산의 윤곽과 밝기, 부피가 나타난다. 풍경은 색을 더해 그린 이미지가 아니라, 색을 덜어낸 자리에서 생겨나는 이미지다. 이러한 변화는 선의 역할을 확장한다. 이전 작업에서 선이 재료의 결이나 추상적인 형상을 드러냈다면, 최근에는 풍경의 형태와 공간을 보다 직접적으로 만들어낸다. 산의 모습은 알아볼 수 있지만, 동시에 그 산을 이루는 선과 긁힌 표면도 드러난다.
작가는 유기적으로 변화하는 선들 위에 일정한 간격의 수평선이나 수직선을 다시 긋는다. 변화하는 선이 산의 덩어리와 화면의 깊이를 만든다면, 규칙적인 기하학적 선은 그 공간을 가로지르며 화면이 평면임을 환기한다. 자연스러운 흐름과 인위적인 질서, 이미지와 표면은 서로를 지우지 않은 채 한 화면에서 엇갈린다.《중첩: 들떠 있는 풍경》은 쌓고 덜어내는 행위로 이루어진〈중첩〉의 탐구가 풍경의 형태와 공간으로 확장되는 과정을 보여준다. 관람자는 산의 형상을 따라가다가도 그 형상을 이루는 선과 석고의 표면으로 시선을 옮기게 된다. 전시는 이러한 시선의 이동을 통해 자연과 인간, 추상과 풍경, 평면과 깊이의 관계를 새롭게 감각하는 계기를 제안한다.
SunGallery presents Superposition: Floating Landscape, a solo exhibition by ByoungYun Woo (b. 1988), from October 7 to November 3, 2026. Following his participation in the gallery’s 2024 group exhibition Nature-Regressive Desire, this marks his first solo exhibition at SunGallery. Bringing together 32 paintings, with a focus on his Superposition series and the new Floating Landscape series that builds upon it, the exhibition traces how his exploration of material surfaces has developed into an investigation of landscape forms and pictorial space. ByoungYun Woo seeks to approach nature as a world that continues independently of the human gaze, rather than as a backdrop reflecting his own emotions or memories. In the Superposition series, he applies plaster to wood panels, creating ridges and furrows before adding color and scraping back the painted surface. The act of building up plaster intersects with that of removing color, while the lines formed by the uneven ground cross those made by scraping. Through this process, lines shift between abstract textures, waves, and, at times, mountain-like forms, producing a pictorial surface where material traces and images overlap.
In the new Floating Landscape series, the artist no longer creates ridges and furrows when applying the plaster, as these pre-existing textures can interfere with the lines that shape the mass of a mountain and its surrounding space. Instead, he establishes a field of color on a flat plaster ground, then repeatedly scrapes the painted surface in one direction to reveal the white plaster beneath. As lines of varying lengths and densities accumulate, the contours, tonal values, and volume of a mountain emerge. The landscape is an image that takes shape where color has been removed, rather than one painted by adding color. This shift expands the role of the line.
Here, nature cannot be explained solely through the artist’s emotions or memories. The landscape emerges from the relationships among plaster, color, and the repeated movements of his hand. His approach to nature is connected to the way he handles materials, while the lines and surfaces that construct the landscape remain integral to the work alongside the image itself. Superposition: Floating Landscape shows how the investigation developed through the acts of building up and removing material in Superposition extends into landscape forms and pictorial space. Viewers follow the mountain’s form before turning their attention to the lines and plaster surface that compose it. Through this movement of the gaze, the exhibition invites a renewed perception of the relationships between nature and humans, abstraction and landscape, flatness and depth.