한국을 대표하는 채색화가 이숙자(b.1942) 작가는 전통과 현대를 잇는 한국적 정서와 리얼리티를 조합한 작품세계를 보여준다. 한국의 민간 공예품을 모티프로 한 1960-70년대 초 작품부터 한글, 백두산 천지와 같은 역사적, 민족적 소재를 다룬 1990년대 이후 최근작까지, 작가는 색의 탐구와 감각적 리얼리즘을 추구하여 왔다. 그녀의 작품은 전통 석채(石彩) 기법을 바탕으로 한다. 공작석, 남동석 등 광물성 안료를 아교에 혼합하여 여러 번의 배접 과정을 거친 종이에 덧칠하는 방식으로, 수십만 번의 세필 붓질을 통해 밀도 높은 화면을 완성한다. 1970년대 중반 시작된 '보리밭 시리즈'는 수십만 번의 세필 붓질로 구성된 초현실적 장면이다. 거칠고 투박한 순지 위에 수차례 배접된 석채 안료는 광물성의 깊은 빛과 무게감을 지닌다. 이 작업은 단지 자연을 묘사하는 것이 아니라, 민족의 기억과 생존의 내력을 새기는 의식이기도 하다. 1990년대에는 ‘이브의 보리밭’이라는 시리즈를 통해 자연의 원형이자 생명의 근원으로서 여성을 등장시켰다. 그녀가 창조한 이브는 전통 누드의 성적 대상이 아니라, 존엄과 생명력을 가진 신화적 존재이다.
이숙자 작가는 1941년 한국에서 태어나 홍익대학교 미술대학 회화과를 졸업했다. 이른 시기부터 전통 채색화, 그중에서도 암채(岩彩)라는 고전적 기법에 매료되어 이를 평생의 조형 언어로 삼았다. 암채는 광물에서 채취한 안료를 아교와 섞어 사용하는 방식으로, 재료 자체의 고가성과 고난도 때문에 현대 회화에서는 잘 사용되지 않는다. 그러나 이숙자는 수묵화 일변도의 한국화 흐름 속에서 전통 채색화의 정체성과 현대적 부활을 주도한 몇 안 되는 작가 중 하나로 평가된다. 주요 전시로는 2016년 국립현대미술관에서 열린 “초록빛 환영_이숙자”, 2008년 고양 아람누리 미술관 기획전 “이숙자의 삶과 색”, 2006년 프랑스 파리 에베라츠 갤러리 개인전, 그리고 1988, 1994, 2001, 2007, 2022년 선화랑 초대 개인전 등이 있다. 이숙자의 작품은 국립현대미술관, 서울시립미술관, 아람누리미술관, 호암미술관 등 국내 주요 공공 미술관과 기관에 소장되어 있으며, 한국 현대 채색화의 정체성과 깊이를 대표하는 작가로 자리매김하였다. 이숙자 작가의 작업은 한국적 자연과 민족적 정체성, 그리고 여성성과 신비를 한 화면에 끌어안으며, 수행적 채색 회화의 극한을 탐구해왔다. 그녀의 작품은 유구한 전통과 깊은 자기 성찰을 바탕으로 한 ‘살아있는 풍경’이며, 초록빛 환영, 보리밭의 리듬, 그리고 민족의 무의식에 이르는 긴 시간의 흐름을 내포한다.
Sookja LEE (b.1942), one of Korea’s leading color painters, presents a body of work that combines traditional and contemporary Korean sensibilities with a sense of realism. From her early works in the 1960s and 70s inspired by Korean folk crafts, to her more recent pieces since the 1990s that depict historical and national themes such as Hangeul and the crater lake of Mount Baekdu, she has consistently pursued a deep exploration of color and sensory realism.
She bases her work on the traditional seokchae (mineral pigment) painting technique. This method involves mixing mineral pigments such as malachite and azurite with animal glue, and applying them in multiple layers on paper that has been repeatedly mounted. Through hundreds of thousands of delicate brushstrokes, she creates densely layered surfaces. Her renowned Barley Field series, which began in the mid-1970s, features surreal landscapes built through countless fine strokes. The mineral pigments, applied on coarse traditional Korean paper (sunjji), carry a luminous depth and weight intrinsic to their material origins. These works go beyond mere depictions of nature—they serve as rituals that inscribe the collective memory and survival of a people. In the 1990s, she introduced women as archetypes of nature and the source of life in her Eve’s Barley Field series. The Eve she created is not a sexualized object of traditional nudes but a mythic figure embodying dignity and vitality.
Born in Korea in 1941, Sookja LEE graduated from the Department of Painting at Hongik University. From an early stage, she was captivated by traditional Korean color painting, particularly the classical technique of amchae (rock pigment painting), and has adopted it as her lifelong artistic language. Because amchae, which involves mixing mineral pigments with animal glue, is rarely used in modern painting due to the high cost and technical complexity of its materials, few artists have continued this practice. However, she has been recognized as one of the few artists who led the revival and redefinition of traditional color painting within a Korean art scene largely dominated by ink painting. She has held major exhibitions including Green Illusion – Sookja LEE at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea (2016); The Life and Color of Sookja LEE at Aramnuri Art Museum (2008); a solo exhibition at Galerie Eberarts in Paris (2006); and solo shows at Sun Gallery in 1988, 1994, 2001, 2007, and 2022.
Her works have been collected by major public museums and institutions including the National Museum of Modern and Contemporary Art, the Seoul Museum of Art, Aramnuri Art Museum, and the Ho-Am Art Museum. She has firmly established herself as a defining figure of modern Korean color painting. Through her paintings, she embraces Korean nature, national identity, femininity, and mysticism, pushing the boundaries of meditative color painting to its limits. Her work represents a “living landscape” born from deep introspection and rich tradition—embodying green illusions, the rhythm of barley fields, and the long temporal flow of the nation's unconscious.