이정지(1941-2021)의 작품은 반복과 절제, 무채색과 행위의 기록이 하나의 화면에 공존하는 독자적인 예술 세계로 알려져 있다. 그녀는 생명감 있는 움직임과 동시에 내면적 침잠을 유도하는 평면 위에서 인간의 실존적 고뇌와 존재의식을 구현한다. 캔버스를 가로지르는 롤러와 나이프의 행위는 단순한 제스처를 넘어 삶의 리듬과 존재의 호흡을 새긴다. 화면 전체는 행위의 연속체로 구성되며, 이는 ‘○’ 시리즈를 중심으로 한 이정지의 후기 모노크롬 회화에서 가장 극명하게 드러난다.
작품은 전통적인 한국의 평면주의와 모노크롬의 미학을 바탕으로 하면서도, 단순한 계승이 아니라 그것을 극복하고 발전시킨 변주의 형태로 평가된다. 그녀는 표면과 내면, 생성과 붕괴, 유와 무 같은 상반된 개념들 사이의 균형과 긴장을 표현함으로써, 이분법적 사고의 경계를 넘나든다. 1941년생인 이정지는 홍익대학교 미술대학 및 대학원에서 서양화를 전공하였다. 1972년 이후 30회 이상의 개인전을 열었으며, 상파울로 비엔날레(1983), 까뉴 국제회화제(1984), 베이징 국제비엔날레(2010, 2015) 등 다수의 국제 전시에서도 주목을 받았다. 그녀는 70년대 후반부터 독자적인 형식과 언어를 구축해온 한국 현대 추상 회화의 중심 인물로 평가받는다.
이정지의 작업은 "행위의 연속적 잠재성"이라는 개념으로 요약될 수 있다. 반복적 붓질, 롤러와 나이프의 조합, 화면 전체에 걸친 리드미컬한 구성은 단순한 시각적 조형을 넘어, 신체적 감각과 정신적 응축을 담아낸다. 그녀는 스스로의 표현을 단순한 제스처가 아닌, 존재의 증표이자 신체로부터 위탁된 표현적 행위로 간주한다. 이는 종교적 의미의 ‘탁신(託身)’과도 닿아 있으며, 그림 그리기를 통한 정신적 구현이자 육체적 수행으로 이해된다. 이정지의 작품은 하나의 화면이 아니라 하나의 몸짓이며, 한 호흡이자 생명의 리듬이자 시각적 기도에 가깝다.
이정지의 작품은 국립현대미술관, 서울시립미술관, 일본 후쿠오카 미술관 등 국내외 유수 기관에 소장 되었고, 개인전으로는 도쿄 무라마쯔화랑(1983, 1985)과 선화랑(2020, 2018, 2017, 2016), 브라질 상파울로 비엔날레(1983) 등에서 깊은 인상을 남겼다. 다양한 전시를 통해 한국 여성 추상화가로서 굵직한 족적을 남겼으며, 늘 작품에 담긴 화두는 다 같이 아우르는 화합하는 삶에 대한 이야기로 현시대에 필요한 메시지를 몸소 실천하며 작업을 통해 보여주었다.
Lee Chung-ji (1941–2021) was known for her distinctive visual language, where repetition and restraint, achromatic palettes, and gestural records coexist on a single surface. On these planes, she expressed existential anguish and awareness, evoking both vital motion and deep introspection. The movements of rollers and knives across the surface transcend mere gestures, imprinting rhythms of life and breaths of being. Her entire compositions are built as accumulations of action, most clearly demonstrated in her late monochrome paintings centered on the Circle (○) series.
While grounded in the traditions of Korean flatness and the aesthetics of monochrome, her work is not a mere continuation of these traditions but a form of variation that overcomes and evolves them. Through her exploration of the tensions between opposing concepts—surface and depth, creation and collapse, presence and absence—she crossed and challenged the boundaries of binary thinking.
Born in 1941, Lee Chung-ji studied Western painting at both the undergraduate and graduate levels at Hongik University. Since 1972, she held more than 30 solo exhibitions and gained international attention through major shows such as the São Paulo Biennale (1983), the Cannes International Painting Festival (1984), and the Beijing International Art Biennale (2010, 2015). Since the late 1970s, she has been recognized as a central figure in the development of contemporary Korean abstract painting, having established her own distinct form and visual vocabulary.
Lee’s work can be characterized by the concept of “the latent continuity of action.” The repetitive brushstrokes, the interplay of rollers and knives, and the rhythmic structure that spans the entire surface transcend visual form to embody both physical sensation and mental compression. She regarded her mark-making not as simple gestures but as signs of existence—expressive acts entrusted to the body. This aligns with the religious concept of taksin (spirit possession), understanding painting as both spiritual manifestation and physical discipline. Her works are not simply images—they are gestures, breaths, pulses of life, and visual prayers.
Her work is included in the collections of major institutions such as the National Museum of Modern and Contemporary Art (Korea), Seoul Museum of Art, Fukuoka Asian Art Museum (Japan), and the Triennale India (New Delhi). She left a strong impression through solo exhibitions at Muramatsu Gallery in Tokyo (1983, 1985), Sun Gallery in Seoul (2020, 2018, 2017, 2016), and the São Paulo Biennale (1983). As a pioneering Korean female abstract painter, she left a lasting mark through her exhibitions, continually delivering messages of harmony and coexistence—core themes she embodied in both life and work.